Nếu bạn có thể nói chuyện với bất kỳ nghệ sĩ vĩ cầm nổi tiếng nào, họ còn hoạt động hay không còn hoạt đông âm nhạc nữa - đó sẽ là ai? Bạn muốn chọn bộ não của ai về sự nghiệp của họ, suy nghĩ của họ về âm nhạc và biểu diễn, và cách họ đạt được những gì họ đã làm?
Vâng, chúng tôi đã tập hợp một số suy nghĩ từ một số nghệ sĩ vĩ cầm vĩ đại nhất từng được phỏng vấn.
Pinchas Zukerman
Zukerman nhắc lại điều mà bạn có thể đã biết nhưng ghét phải thừa nhận. Thời gian luyện tập rất quan trọng. Tất nhiên chất lượng của buổi luyện tập cũng quan trọng, nhưng có một số điểm then chốt không xác định ở đâu đó về số lượng. Một buổi luyện tập diễn ra tốt như thế nào không quan trọng nếu chúng không diễn ra đủ thường xuyên. Về việc luyện tập, Zukerman nói rằng:
“Khán giả không nên thấy công sức bỏ ra – nhưng tất nhiên công sức bỏ ra vẫn tồn tại. Nỗ lực là đảm bảo rằng bạn đã chuẩn bị kỹ lưỡng. Cho dù bạn đang chơi, chỉ huy hay chơi nhạc thính phòng, bạn phải luôn chuẩn bị kỹ lưỡng. Điều đó đòi hỏi phải luyện tập trong một số giờ nhất định mỗi ngày.”
Từng ngày. Từng ngày. Thái độ này không có gì đáng ngạc nhiên đối với người đàn ông cũng cảm thấy rằng "giáo dục âm nhạc không nên dừng lại khi bạn bước ra khỏi trường âm nhạc. "Học tập là thói quen của một tâm trí cởi mở và tất cả bắt đầu bằng việc lắng nghe." Ồ, và theo ý kiến của Zukerman, cách tốt nhất để học thói quen này là gì? Nhạc thính phòng.
Frank Peter Zimmermann
Nghệ sĩ violin concerto bậc thầy Zimmermann đồng ý với Zukerman. Khi được hỏi bí quyết thành công của ông là gì, ông nói:
“Luyện tập thật nhiều! Tất cả các nghệ sĩ vĩ đại đều luyện tập như điên, như Jascha Heifetz. Bạn phải biết giới hạn của mình, và lên kế hoạch cho tiết mục và lịch trình của mình một cách cẩn thận. Các nghệ sĩ vĩ cầm như Nathan Milstein, Jascha Heifetz, họ nghĩ về lâu dài. Giống như trong một bộ phim, Clint Eastwood đã nói, 'Một người đàn ông phải biết giới hạn của mình.' Bạn phải sống có kỷ luật, nghỉ ngơi là quan trọng, đưa ra phán đoán đúng đắn là quan trọng.”
Ông cũng cố tình nỗ lực để tiếp cận lại các tác phẩm quen thuộc, “tìm kiếm góc nhìn mới”. Zimmermann cảm thấy điều quan trọng là phải luôn tìm kiếm những sắc thái và cách tiếp cận mới, và không nên cảm thấy thoải mái với một tác phẩm.
Nhưng nói về Jascha Heifetz…
Jascha Heifetz
Heifetz đưa ra một số hiểu biết sâu sắc về cách thực hành, đi đến vấn đề chất lượng (bây giờ vấn đề số lượng không còn bị thách thức). Điểm mấu chốt của ông là: Đừng để bản thân thoát khỏi khó khăn. Ông giải thích,
“Làm việc chăm chỉ, làm việc trung thực và làm việc thông minh. Khi luyện tập, hãy tập trung và lắng nghe cách chơi của bạn. Đừng để lỗi trôi qua mà không sửa chúng. Hãy luyện tập những chỗ đó nhiều hơn, nếu cần. Luyện tập kém và thói quen xấu rất khó để loại bỏ sau này.”
Một người viết tiểu sử đã chia sẻ thói quen luyện tập của Heifetz, Heifetz
“…luôn bắt đầu bằng các nốt nhạc. Ông cũng không tin vào việc luyện tập quá nhiều, giới hạn việc luyện tập của mình vào khoảng một giờ luyện tập nốt nhạc vào buổi sáng và khoảng một giờ luyện tập các phần được chọn lọc của tiết mục vào buổi chiều.”
Đợi đã, chúng ta không phải vừa học được rằng số lượng thực hành cũng quan trọng sao? Câu trích dẫn này đề cập đến việc không thực hành “quá nhiều”, không phải “nhiều”. Có lẽ chúng ta có thể hiểu “số lượng” có nghĩa là “tính nhất quán”. Lượng thời gian thực tế sẽ phụ thuộc vào mục tiêu bạn muốn đạt được và loại thực hành nào giúp bạn nâng cao kỹ năng của mình.
Ivry Gitlis
Nhưng mục đích của việc luyện tập đều đặn, chất lượng cao là gì? Theo bậc thầy người Israel
Gitlis, đó là để vượt xa sự thành thạo kỹ thuật đơn thuần. Khi ông ấy giảng dạy , Gitlis nói,
“Tôi cố gắng giúp học viên hiểu rằng họ không chỉ nên được thúc đẩy bởi kỹ thuật hoàn hảo. Nghe có vẻ sáo rỗng khi nói rằng âm nhạc là điều quan trọng nhất – điều đó quá hiển nhiên. Kỹ thuật phải là về việc đạt được khả năng chơi những gì bạn đang cảm thấy và những gì bạn muốn thể hiện, để tạo ra một tình huống mà khi bạn chơi, bạn quên mất công sức của mình. Nếu ai đó đến gặp tôi sau một buổi hòa nhạc và nói rằng, 'Bạn hẳn đã luyện tập rất nhiều', điều đó có nghĩa là tôi hẳn đã chơi tệ.”
Điều này phản ánh quan điểm của Zukerman rằng khán giả không nên xem tác phẩm. Nhưng nó cũng đề cập đến một điều khác – rằng việc kết nối với khán giả đòi hỏi khả năng truyền đạt tầm nhìn và cách diễn đạt của bạn thông qua tác phẩm cho họ, chứ không chỉ thực hiện những gì đã viết.
Itzhak Perlman
Quan điểm của Gitlis về khả năng “thể hiện những gì bạn đang cảm nhận và những gì bạn muốn thể hiện” hoàn toàn phù hợp với lời khuyên của Perlman về việc lắng nghe .
“… khi bạn chơi một nhạc cụ, vì bạn tham gia về mặt thể chất, đôi khi nó ảnh hưởng đến khả năng lắng nghe đúng đắn của bạn. Vì vậy, thách thức là lắng nghe và không bị ảnh hưởng bởi cảm giác của bạn mà bởi âm thanh của nó.”
Bây giờ điều này cũng có thể nghe có vẻ không nhất quán, vì ông ấy cũng nói rằng không bị ảnh hưởng bởi cảm giác của bạn. Nhưng ông ấy nói rằng cảm giác của bạn. Hình thể vật lý phù hợp và sự thành thạo về ngón tay sẽ giúp bạn làm chủ kỹ thuật. Nhưng nếu vấn đề là làm thế nào để bạn có thể khiến khán giả cảm thấy, thì bạn cũng cần có khả năng lắng nghe những gì bạn đang tạo ra .
Yehudi Menuhin
Menuhin đã giúp đỡ và hỗ trợ bao nhiêu nghệ sĩ violin trẻ đạt đến sự vĩ đại? Trong cuộc phỏng vấn này, bậc thầy và nghệ sĩ violin bậc thầy sẽ nói về những gì có thể phân biệt giữa luyện tập và tập dượt :
“Điều quan trọng là phải biết phải tập luyện những gì, tập luyện bao nhiêu, bỏ qua những gì — những gì có thể bỏ qua một cách tự tin, những gì phải bỏ qua vì muốn giữ kỳ vọng ở mức cao nhất hoặc bạn có thể làm giảm sự kỳ vọng bằng cách làm việc quá sức; hoặc bạn phải để dành mọi thứ cho một thời điểm khác vì quá khó để đòi hỏi chúng vào lúc đó vì bạn đang háo hức cho một buổi hòa nhạc. Và bạn có thể có một ý tưởng điên rồ mà bạn muốn thử, và bạn nghĩ, 'Được rồi, tốt hơn là tôi không nên làm vào đêm nay.' "
Bạn muốn nghe những nghệ sĩ violin nổi tiếng nào khác? Hãy cho Tân Nhạc Cụ biết và chúng tôi sẽ tổng hợp một bản tóm tắt lời khuyên từ những nghệ sĩ vĩ đại.
